"Mehta chiama la nostra ricerca per esaminare l'esistenza"
Con una delle culture più ricche del mondo, l'India ha molti dipinti famosi che vengono celebrati a livello globale.
Da Rabindranath Tagore a Tyeb Mehta, il paese ha prodotto alcuni degli artisti più famosi di sempre.
Sebbene i loro pezzi siano creativi e mostrino una vasta gamma di abilità, sono anche stimolanti, raccontando storie della storia dell'India.
I dipinti servono anche come intuizioni uniche sulle emozioni e sui sentimenti delle comunità, in particolare degli uomini.
Ma se non sei a conoscenza di tali pezzi, esaminiamo i dipinti in modo più dettagliato.
Autoritratto
Una delle opere d'arte più riconosciute è del premio Nobel Rabindranath Tagore.
Il suo autoritratto mette in mostra molti degli elementi che tagore era noto per la semplicità e la rappresentazione del viso.
Questo ritratto in bianco e nero fa uso di sorprendenti linee di matita in cui Tagore si immagina come un vecchio barbuto dotato di saggezza e conoscenza.
Il fatto che l'artista fosse alla fine degli anni '60 quando iniziò a dipingere è notevole poiché molti lo considererebbero oltre il suo apice.
Tuttavia, mostra il livello di abilità e immaginazione che aveva per creare opere così identificabili.
Il contorno grezzo, gli scarabocchi e il colore e lo sfondo senza colore contribuiscono a rendere questo uno dei dipinti più celebri dell'arte indiana moderna e contemporanea.
Bapuji
"Bapuji" di Nandalal Bose illustra quanto sia simbolica l'arte indiana quando rappresenta la storia della nazione.
Questo dipinto è un'altra vetrina della lotta indiana per l'indipendenza e raffigura il Mahatma Gandhi come musa inconfondibile.
Bose era affascinato da Gandhi e dall'impatto che aveva con le sue azioni non violente.
Parlando dell'ispirazione alla base del dipinto e del motivo per cui ha scelto di riconoscere il Padre della Nazione, Bose ha espresso:
“Che miracolo è avvenuto quando Gandhiji, desideroso della libertà dell'India, è andato alla marcia Dandi!
"L'intero paese è stato risvegliato dalla fiducia in una forza unica".
“La gloria ha riempito il mio cuore. Mi sono sentito benedetto e la vita è diventata significativa.
La tela annerita contrasta con i nitidi tratti bianchi che illuminano le orme di Gandhi.
Come la figura solitaria, il pezzo enfatizza così tante emozioni: desiderio, disperazione, forza, unità e libertà.
Brahmacharis
Amrita Sher-Gil non è estranea all'industria artistica e i suoi dipinti sono ancora ampiamente esposti.
Uno dei suoi tanti pezzi che molti studiosi ritengono essere il suo miglior lavoro è "Brahmacharis".
Il capolavoro è il risultato del soggiorno temporaneo di Sher-Gil nel sud dell'India nel 1937.
Influenzato dal calore e dall'unione delle comunità rurali, questo pezzo mette in risalto il linguaggio visivo che l'artista ha utilizzato durante il suo lavoro.
Mentre gli uomini sembrano disinteressati o inespressivi, in realtà sembrano ascoltare la figura nel mezzo.
È importante notare che l'artista ha utilizzato a ampio panorama per mostrare un gruppo di cinque uomini seduti insieme. Questo va contro la tradizionale tela inscatolata che normalmente hanno i dipinti.
'Brahmacharis' mostra il legame stretto tra villaggi e tribù e come gli insegnamenti sono stati portati avanti per essere trasmessi alla generazione successiva.
Giorni di Gloria
Da Satish Gujral arriva questo pezzo straordinario che mostra lo spostamento causato dalla partizione del 1947.
Questo argomento è stato spesso trattato da Gujral nel suo lavoro a causa del suo tempo sia in Pakistan che in India, e anche per lo sfollamento che ha provato durante questo periodo.
'Days of Glory' è uno stato di impotenza, che mostra due uomini frenati dalle loro emozioni.
Questo è fatto in modo intelligente poiché gli spettatori non riescono a vedere i loro volti, quindi è lasciato aperto all'interpretazione. Ma la loro compattezza mostra solidarietà e parla alle esperienze vissute di molti sopravvissuti.
Gujral credeva che questo capolavoro fosse più una resa della sua sofferenza piuttosto che un ritratto della partizione.
Ma questo non vuol dire che questo pezzo toccante non inghiottisca la mente dello spettatore e non faccia pensare a una storia così dolorosa.
Mahishasura
Tyeb Mehta è ampiamente considerato come uno dei migliori artisti contemporanei dell'India.
Forse il suo dipinto più riconosciuto è questo pezzo colorato, intitolato "Mahishasura", che mostra una figura imponente che combatte con il bene e il male.
Il pezzo ha più interpretazioni ma la sua complessità lo rende molto più attraente.
Le forme geometriche, gli elementi culturali come il copricapo e i colori distinti lasciano chiedersi cosa stia cercando di ottenere Mehta.
Ma il poeta indiano Ranjit Hoskote riassume perfettamente 'Mahishasura', affermando:
“Mehta richiama la nostra ricerca per esaminare l'esistenza e le lotte della vita per creare il perfetto equilibrio tra il bene e il male.
“Ciò che ne consegue è una tensione intrinseca attraverso la molteplicità di intersezioni tra la società, i suoi processi e la psiche interiore dell'uomo.
“Così facendo, il mito antico diventa così un'eterna battaglia, sospesa nel tempo e nello spazio, una perenne performance in cui lo spettatore è attratto.”
Il dipinto è ambiguo ma mostra una chiara battaglia tra forze che l'occhio non coglie al primo sguardo.
Come i più grandi dipinti, gli spettatori si ritroveranno a perdersi in questo per cercare di interpretarne il messaggio e il significato.
Questi dipinti mostrano davvero come Arte indiana è considerato così importante per il mondo artistico.
Gli uomini raffigurati in questi pezzi illustrano diversi momenti della storia, oltre a mostrare la cultura e le credenze di diversi individui.
L'espressione, i colori e l'abilità usati per creare rappresentazioni così vivide della vita sono magnifici e dovrebbero essere apprezzati da tutti.
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