"Credo in un approccio integrato all'arte e all'artigianato"
Molte scultrici indiane hanno lasciato il segno nel mondo artistico a mani nude.
Essendo un paese che utilizza molte delle sue materie prime, l'India ha molte bellissime sculture che le persone possono vedere in ogni strada.
Circondato da luoghi così visivamente avvincenti ha quindi spinto molte donne ad entrare nella disciplina artistica della scultura.
Mentre gli scultori indiani maschi come Ramkinkar Baij e Adi Davierwala sono molto popolari, gli opposti femminili hanno avuto un impatto uguale sull'arte indiana e sul panorama più ampio.
Diamo uno sguardo a coloro che hanno la maggiore influenza e hanno portato alla ribalta le sculture indiane.
Leela Mukherjee
Nata nel 1916, Leela Mukherjee si è formata come pittrice e scultrice a Santiniketan, nel Bengala occidentale.
Qui ha incontrato suo marito e il famoso artista Benode Behari Mukherjee, per il quale ha aiutato con i murales per la scuola in cui lavorava.
Indubbiamente influenzata dal lavoro di Ramkinkar Baij, Leela cercò di avere una propria pratica di involo e iniziò a imparare l'arte dell'intaglio del legno e della pietra nel 1949.
Imparare sotto la guida dell'artigiano nepalese Kulasundar Shilakarmi, Leela imparato a riflettere il suo ambiente attraverso la sua arte.
Che fosse il suo ambiente naturale o l'emozione umana, Leela poteva trasmettere tutto.
La storica dell'arte, Ella Dutta, ha spiegato perché le sculture di Leela erano così accattivanti in un'opera per Il tempo dell'India in 1989:
“In contrasto con la visione distorta e angosciata del sé e dell'altro nelle opere dei pittori espressionisti, la visione del mondo di Leela Mukehrjee è più olistica.
“È un riflesso della vita che sta germogliando, pulsando, fiorendo. Il suo mondo non è antropocentrico sebbene sia umano.
“Piante, fiori, scimmie, cavalli, mucche, uccelli, bambini, adulti reclamano uguale attenzione in un colorato mosaico di esistenze.”
Essendo una delle scultrici indiane più documentate della storia, i pezzi di Leela sono stati esposti in diverse mostre.
Questi includono l'All-India Sculpture Exhibition (1959) e Major Trends in Indian Art (1997).
Il lavoro di Leela ha anche un posto fisso nella National Gallery of Modern Art e nella Lalit Kala Akademi di New Delhi.
Anche se purtroppo è morta nel 2009 all'età di 69 anni, il lavoro di Leela continua ad avere successo.
Pilloo Pochkhanawala
Pilloo Pochkhanawala è nata nel 1923 e, analogamente a Leela, è stata una delle prime scultrici indiane.
Spesso ispirata dalla natura e dalle figure umane, Pilloo era un'artista autodidatta e utilizzava vari materiali come metallo, pietra e legno per dettagliare le sue idee.
Ciò che ha reso Pilloo così creativo è stato il suo approccio sperimentale alla sua arte. Era affascinata dagli stretti confini dello spazio e da come potevano diventare le sculture astratte.
I suoi primi lavori sono ispirati da Henry Moore, un artista britannico noto per i suoi pezzi dinamici.
Mentre all'inizio della sua carriera, il lavoro di Pilloo prevedeva principalmente donne sedute, alla fine ha ampliato il suo lavoro con uno dei suoi stili distintivi essendo arrangiamenti distorti di motivi.
Oltre alla sua arte, Pilloo ha facilitato le arti a Bombay e ha organizzato il Bombay Art Festival dagli anni '60 in poi.
Ha avuto un ruolo di primo piano nella trasformazione della Sir Cowasji Jehangir Hall nella National Gallery of Modern Art di Mumbai.
La Galleria è uno dei principali musei di arte contemporanea dell'India.
Meera Mukherjee
Meera Mukherjee è una delle più celebri scultrici indiane.
È stata addestrata nello stile pittorico che ha favorito le tradizioni classiche indiane rispetto alle tendenze occidentali.
Dopo essersi iscritta al Delhi Polytechnic College nel 1941, Meera andò a studiare all'Accademia di Belle Arti di Monaco tra il 1953 e il 1956.
Questo periodo di tre anni in Germania ha allontanato Meera dalla sua educazione artistica e si è presto resa conto che Monaco non stava realizzando la sua spinta creativa.
Mettendo in dubbio la sua identità, la scultrice si è recata nel Madhya Pradesh per studiare il tradizionale tecnica della cera persa del popolo Gharuan.
Questo tour dell'India ha dato a Meera un'esperienza inestimabile nel vedere artigiani tradizionali utilizzare metodi diversi per ottenere risultati diversi, un'abilità che poteva usare per la propria arte.
È diventata famosa per aver innovato la tecnica della fusione in bronzo che è diventata il suo stile distintivo. Nel catalogo della mostra Ricordando Meera Mukherjee, afferma:
“Il mondo di Meera in bronzo è pieno di movimento.
“Gli occhi degli spettatori non seguono solo i contorni fluidi delle figure, ma anche i motivi, le linee e gli ornamenti che animano le superfici delle sue sculture in bronzo.
"Nessuna di queste figure è profana nel senso occidentale poiché tutte sembrano essere imbevute di qualcosa del divino e pulsare di forze ed energie fluenti".
L'attenzione ai dettagli e la capacità di Meera di manipolare il metallo per ottenere scultori così emotivi è davvero impressionante.
Mrinalini Mukherjee
Cresciuta in una comunità utopica nel Bengala occidentale, la carriera di Mrinalini Mukherjee abbraccia quattro decenni.
Lavorando a stretto contatto con fibre, bronzo e ceramica, il lavoro di Mrinalini è ossessionato dalla figurazione astratta e ha influenze dalla natura, dalle antiche sculture indiane e dai tessuti tradizionali.
Mentre i suoi primi lavori erano fortemente ispirati alla botanica, è passata alla corda nei primi anni '70 e ha utilizzato una tecnica di annodatura a mano per creare sculture morbide.
Questi pezzi erano alti come enormi divinità che trovi nei templi dell'Asia meridionale.
Sebbene il lavoro di Mrinalini sia ampiamente riconosciuto, non ha ricevuto una grande mostra fino al 1994 al The Modern Art Oxford.
Parlando del suo approccio artistico al suo mestiere, Mrinalini ha espresso:
"In India le arti sono sempre esistite l'una accanto all'altra, a diversi livelli di raffinatezza".
“L'India ha un'enorme ricchezza di artigianato e credo in un approccio integrato all'arte e all'artigianato.
"È attraverso il mio rapporto con il mio materiale che vorrei raggiungere e allinearmi con i valori che esistono nell'ambito della scultura contemporanea."
Mrinalini è stata una pioniera in quanto mentre sperimentava con i materiali, giocava anche con la forma e il posizionamento.
Le sue sculture a volte pendevano dal soffitto, erano autoportanti o posizionate contro un muro.
Dava anche colore al suo lavoro, usando gialli, viola e arancioni per accentuare la sensualità e il sentimento umano.
Kanaka Murthy
Nato nel 1942, Kanaka Murthy è stato affascinato dalla scultura e ha frequentato la prima scuola d'arte a Bangalore - Kalamandira.
Sebbene la passione di Kanaka per l'artigianato fosse alta, è stata deragliata da molte persone perché il campo "non era adatto alle donne".
Tuttavia, è diventata una pioniera abbattendo le barriere per molte scultrici indiane.
Il suo Guru, D Vadiraja, le ha dato molta formazione e forza per perseguire i suoi sogni contro i desideri della sua comunità tradizionalista.
Ma Vadiraja era uno spirito libero e questo ha vissuto Kanaka come lei sculture non ha seguito rigide linee guida.
Il suo lavoro è sia tradizionale che moderno e quell'equilibrio è difficile da raggiungere se si tiene conto del periodo di tempo in cui stava sbocciando.
Era conosciuta soprattutto per i suoi ritratti in pietra creati dopo personaggi famosi che hanno avuto un impatto sulla vita di Kanaka.
Questi includevano musicisti come Doraiswamy Iyengar e T Chowdiah.
Grazie alla sua celebrazione della cultura indiana, oltre 200 sculture degli artisti sono installate in luoghi pubblici del paese.
Inoltre, ha anche vinto numerosi premi come il Karnataka Jakanachari Award e lo State Shilpakala Academy Award.
È anche l'unica donna ad aver ricevuto il Janakachari Award, un premio statale per sculture e artigiani di talento.
Shilpa Gupta
Originaria di Mumbai, Shila Gupta è una delle scultrici indiane più popolari e famose sulla scena.
Dopo aver studiato scultura alla Sir JJ School of Fine Arts, Shilpa è interessata all'interazione umana e al modo in cui le informazioni vengono trasmesse nella vita di tutti i giorni.
Il suo lavoro è attratto da oggetti, persone, esperienze e da come queste zone si fondono insieme nella società.
Un aspetto particolare del suo lavoro sono le barriere di genere e di classe all'interno dell'India, nonché la repressione del governo e le differenze politiche.
Utilizzando una serie di materiali e forme diverse, il lavoro di Shilpa è stato presentato in tutto il mondo in luoghi come Tate Modern, Louisiana Museum e Serpentine Gallery.
Parlando delle sue aspirazioni e degli obiettivi per i suoi pezzi, dice:
“Penso che quando guardiamo un oggetto d'arte, cerchiamo significato, esperienza o qualche tipo di risoluzione.
“Poi ci sono quelli che vorrebbero che l'oggetto d'arte avesse una conseguenza diretta – e spesso si sente la stessa storia, perché l'arte, perché non l'azione diretta?
“Ma tutto deve avere un'utilità?
“C'è così tanto che sperimentiamo come esseri umani, e non tutto può essere espresso attraverso il linguaggio verbale.
“C'è ancora spazio per altri linguaggi, e l'arte è uno di questi”.
Queste scultrici indiane hanno ridefinito e continuano a ridefinire il panorama artistico in India e nel mondo.
Questi artisti hanno abbattuto le barriere affinché più donne abbiano successo in questo campo.
Inoltre, hanno anche fatto luce su quanto sia diversa l'India quando si tratta di discipline creative.
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