"Gli artisti devono inventare e reinventarsi"
Fin dal XX secolo, le sculture realizzate da scultori pakistani meritano tutto il riconoscimento.
Le sculture accattivanti che utilizzano materiali come legno, metalli e cemento, riflettono il talento puro di questi scultori pakistani.
Un primo esempio è Shahid Sajjad che utilizza prevalentemente il legno per produrre sculture molto artistiche, che rappresentano gli esseri umani.
Nel frattempo, Anjum Ayaz, applica la creatività, utilizzando il metallo per realizzare sculture affascinanti.
Inoltre, scultori di successo come Amin Gulgee espongono le loro sculture a livello globale.
Mentre alcuni artisti pakistani non sono più con noi, gli scultori contemporanei continuano a presentare nuovi eccitanti pezzi che possono ottenere ulteriore riconoscimento.
Syed Afsar Madad Naqvi
Nato il 10 agosto 1933, Amroha, India britannica, Syed Afsar Madad Naqvi (in ritardo), è un noto scultore pakistano.
Era anche eccezionale dal punto di vista pittorico dell'arte. Nella sua prima infanzia, si è laureato con un diploma e post-diploma presso il Government College of Arts and Crafts, Lucknow, in India.
Grazie all'arte del XX secolo, è noto per le sue sculture realistiche e monumentali.
Le sue sculture sono visibili in diversi luoghi intorno a Karachi, in Pakistan, incluso il Roshan Khan / Jahangir Khan Squash Complex, il Fleet Club, l'Arts Council of Pakistan e l'Aeroporto Internazionale di Quaid-e-Azam.
Approfondendo il suo lavoro, era famoso per la specializzazione nell'uso di vari materiali durante la produzione di opere d'arte. Questi includono legno, gesso, metallo, terracotta e cemento.
In termini di design, si avvicinava al suo lavoro, realizzando sculture classiche e culturali indiane. Le figure antiche erano un tema frequente nel lavoro di Naqvi.
Un classico esempio era quello di una donna indiana che ballava, fatta di argilla. Realizzato nel 1981, non ci sono conferme sul nome della scultura.
Insegnando a molti artisti, Naqvi ha avuto un impatto significativo sui suoi studenti. Nel 1984, durante un'intervista a The News, uno studente lo ha applaudito per la sua abilità di scultore:
"Queste figure sono scolpite con straordinaria abilità e sensibilità, con una notevole padronanza sulla flessibilità delle figure umane maschili e femminili."
L'11 gennaio 1997 Naqvi morì tristemente a Karachi, in Pakistan.
Rashid Araeen
Nato il 15 giugno 1935, Rashid Araeen è un famoso scultore pakistano cresciuto in circostanze umili a Karachi, in Pakistan.
Oltre ad essere uno scultore, è anche un artista e pittore minimalista con sede a Londra. Durante gli anni '70 e '80, il suo lavoro intorno alla pittura e alla scultura iniziò ad avanzare.
Arrivato a Londra nel 1964, ha iniziato la sua arte senza una formazione formale, producendo sculture di fascia alta, che riflettono il minimalismo.
Zero all'infinito (1968-2004) è tra i suoi pezzi più famosi. È una grande scultura interattiva composta da un massimo di cento cubi reticolari di legno.
Pur essendo rivestiti con vernice blu, sono allineati in un quadrato e posti a terra. I cubetti reticolari sono realizzati con pezzi di legno uniti alle loro estremità.
Le parti diagonali sono anche divise in ciascuna delle sei facce dei cubi, con un angolo di quarantacinque gradi. In questo modo gli angoli possono raggiungersi l'un l'altro.
Si ritiene inoltre che questa scultura sia stata ispirata dai ponti del XIX secolo, che Rasheed conosce bene.
La disposizione dei cubi reticolari evidenzia la precisione e il dettaglio che Rasheed ha messo in questo pezzo. Di conseguenza, lo rende un abile scultore pakistano.
È una scultura popolare nel Regno Unito, alla mostra Tate Modern di Londra (che espone nel 2012-2013).
Parlando ad Apollo Magazine, Rasheed Araeen commenta il suo stile quando realizza una scultura:
"Il mio uso della geometria implica la simmetria."
“C'è un elemento di ottimismo nel mio lavoro. Per una visione per il mondo MIGLIORE. "
Altre sue sculture eccezionali includono Chakras (1969-1970) Discoteca a vela (1970-1974) e opus (2016).
Shahid Sajad
Lo scultore pakistano Shahid Sajjad è nato a Muzaffarnagar, nell'India britannica, nel 1936. Nel 1965, dopo essersi trasferito in Pakistan, si è fatto strada, è diventato uno scultore autodidatta.
Inoltre, è stato in questo periodo che ha iniziato a imparare il metodo di fusione a cera persa nella scultura. Questa procedura prevede la creazione di una struttura metallica duplicata da una scultura originale.
Più tardi nella sua carriera, lavorando principalmente con bronzo e legno, ha consolidato rapidamente la sua reputazione di maestoso scultore. Il suo lavoro mostra continuamente personaggi a forma di esseri umani.
La sua ispirazione Interferenza orizzontale (2010) è stata una delle sue ultime ma notevoli sculture.
La scultura in legno di 10 piedi, in piedi, porta un messaggio sottostante. Evidenzia due figure primordiali che ne tengono un'altra orizzontalmente.
Ci sono discussioni sul fatto che questa scultura rappresenti una madre e un padre che trasportano un bambino. È discutibile se la scultura rappresenti un tema positivo o negativo.
Riferendosi alle sue sculture di tipo umano, Shahid lavora al di fuori di ogni vincolo stilistico, consentendo al materiale di essere la sua ispirazione.
Per quanto riguarda i risultati, ha vinto una mostra personale di sculture in bronzo e legno al Karachi Arts Council nel 1974.
Ha anche vinto il primo premio alla mostra National Sculptures di Islamabad nel 1977. Inoltre, nel febbraio 2012, è stato premiato con l'Engro Award for Excellence.
Inoltre, ha tenuto una mostra retrospettiva al National College of Arts, Lahore. Successivamente, ha tenuto la sua ultima mostra presso la Scuola di arti e architettura della valle dell'Indo nel 2010.
Un'altra scultura popolare di Shahid è Uno non è senza l'altro. Questa scultura è stata esposta alla Art Chowk Gallery nel 2015, a Karachi, in Pakistan.
Shahid ha tristemente lasciato questo mondo a Karachi, in Pakistan, il 28 luglio 2014.
Zahoor ul Akhlaq
Zahoor ul Akhlaq è uno scultore pakistano nato il 4 febbraio 1941 a Delhi, in India.
È famoso per il suo stile unico di dipinti, sculture e disegni. Ha insegnato al National College of Arts di Lahore dal 1962 al 1994.
Il suo vivo interesse per le astrazioni 3D è stato notato da molti. Come scultore, era una razza rara che insegnava tecniche per realizzare fusioni semplici / multiple a grandezza naturale e armature con stampi.
Il talento di Zahoor era visibile nelle sue sculture, utilizzando una gamma di materiali come acciaio, legno, pietra e marmo.
Nel 1975 ha realizzato una scultura senza titolo in acciaio inossidabile. La scultura ha sei piramidi, tutte con spigoli vivi. Questa era una scultura molto riflessiva, forse in anticipo sui tempi. Appare anche come un paesaggio urbano futuristico.
Zahoor è stato tragicamente ucciso a Lahore il 18 gennaio 1999. Dopo la morte, nel 2019 si è svolta una mostra presso il Lahore National College of Arts intitolata "Persistence of Vision: Zahoor ul Akhlaq".
Sua figlia, Nurjahan Akhlaq, ha allestito la mostra per ricordare alle persone il coraggio e il talento artistico di suo padre. Ha condiviso l'eredità di suo padre con la rivista, Clove.
"Penso che per una persona cerebrale come Akhlaq, l'aspetto incompiuto e la sperimentazione siano importanti quasi quanto mostrare i lavori finiti"
"Le sue opere sono un riflesso di chi era come persona, delle sue idee, convinzioni e interessi".
Impiegando vari materiali e mezzi per le sue sculture, Zahoor aveva un interesse per la prospettiva bidimensionale, incoraggiando gli spettatori a concettualizzare lo spazio.
Le sue sculture interrogano anche il pubblico per organizzare la connessione tra le forme e lo spazio che le circonda.
Anjum Ayaz
Nato ad Amroha, in India, nel 1949, Anjum Ayaz è uno scultore e pittore di talento. Ha studiato alla Karachi School of Art, diplomandosi in Belle Arti nel 1970.
Il suo lavoro consiste principalmente di pietra e metalli quando costruisce pezzi più grandi.
È anche un convinto sostenitore dell'esposizione delle sue sculture in spazi pubblici come spiagge e giardini. In un'interazione Dawn, menziona il motivo per presentare il suo lavoro in pubblico:
"La mia idea di mettere quelle sculture a Seaview era fondamentalmente quella di condividere il mio lavoro con il cittadino comune che non ha accesso alle gallerie d'arte qui."
Le sue sculture sono state esposte in varie città del mondo. La sua arte è stata presente anche a eventi sportivi globali.
Ad esempio, la sua opera d'arte intitolata Toro dell'Indo è stato mostrato alle Olimpiadi estive del 2004, ad Atene, in Grecia. Il suo pezzo da 18 piedi Vita era visibile al Giardino delle sculture durante le Olimpiadi estive del 2008 a Pechino, Cina.
Ha inoltre esposto a Montreal, Parigi, Marsiglia, Dubai, New York, Olanda, Germania, Singapore, Sydney e regolarmente in Pakistan.
Nel novembre 2014 il suo Toro dell'Indo era in mostra la serie, che comprendeva venticinque diverse sculture presso la Momart Gallery in Pakistan.
Con questa serie, presenta il toro zebù in una forma astratta, ma impressionante. Parlando con L'Express Tribune, analizza l'importanza del toro nell'arte e in Pakistan:
“In tutto il mondo, le persone disegnano, dipingono e scolpiscono cavalli. Quello di cui non ci rendiamo conto è quanto gli esseri umani in Pakistan e in tutto il mondo siano legati al toro ".
"È usato per una serie di cose: lo usiamo come trasporto, fertilizzante per l'agricoltura, beviamo il suo latte e usiamo anche il suo letame per accendere il fuoco nelle zone rurali".
Investendo nell'uso di acciaio e pietre, ritiene che questi materiali siano permanenti e resistenti alle intemperie.
Huma Bhabha
Huma Bhabha è uno scultore pakistano di talento con sede a Poughkeepsie, New York. Nata il 1 gennaio 1962 a Karachi, in Pakistan, il suo amore per l'arte l'ha portata a raggiungere nuove vette di carriera.
Ha esposto le sue sculture a livello internazionale in Europa, Messico e Pakistan.
È interessante notare che è famosa per le sue forme simboliche rare e grottesche che spesso appaiono sezionate o smembrate.
È specializzata nella realizzazione di opere d'arte / sculture attorno alle persone o al corpo umano.
Inoltre, Huma di solito utilizza una vasta gamma di materiali nelle sue sculture. Questi includono carta, polistirolo di gomma, filo metallico e argilla.
Quando costruiscono le sue sculture, di solito sono costituite da bronzo per aggiungere effetto o dettagli. Allo stesso modo, è produttiva sulla carta, progettando vivaci disegni a pastello e inquietanti collage visivi.
Concentrandosi su una scultura specifica di Huma Bhabha, il Monumento internazionale (2003) coglie i nostri interessi.
Riflettendo sul significato dell'arte e della sua scultura, Huma dice:
"L'idea di monumento e morte è la materia prima per eccellenza dell'arte."
Visivamente, le cinque dita rigide che presumibilmente fuoriescono da terra trasmettono un messaggio oscuro ma interessante.
La mano grezza, dai materiali utilizzati, crea un'atmosfera inquietante ma realistica alla scultura.
La sua argilla grumosa mescolata con il polistirolo friabile simboleggia una natura fragile del corpo, che si distingue per il pubblico.
International Monument è stato esposto alla Saatchi Gallery di Londra, Regno Unito. Si ritiene inoltre che abbia esposto alla galleria ATM di Austin, negli Stati Uniti.
Un'altra famosa scultura di Huma è Uomo senza importanza (2006). La deturpazione del "volto" lo rende un pezzo affascinante.
Amin Gulgee
Amin Gulgee è un eccezionale scultore pakistano contemporaneo di Karachi. Nato nel 1965, suo padre Ismail Gulgee (1926-2007) ha avuto una grande influenza sulla sua vita poiché ha investito nell'arte, in particolare nelle sculture.
Essendo un praticante d'arte, esplora molto la realizzazione di sculture. Inoltre, il suo lavoro implica l'esame di elementi spirituali e tradizioni narrative e dei loro contrasti.
Specializzato nell'uso di rame e bronzo, il suo mestiere è in qualche modo insolito ma unico per la sua prospettiva.
Confidando con L'Express Tribune, ha parlato dell'approccio al suo lavoro:
“La mia arte è il modo in cui capisco me stesso e mi esprimo - non la cerco, viene solo da me. Queste sculture parlano di amore, danza e gioia. "
Un pezzo particolare che supporta l'idea di una scultura unica e il suo significato dietro di essa, è Io in Matrix (2013). Spiegando di questa particolare scultura, aggiunge:
“Questo è composto da 89 dei miei volti, fusi in bronzo, tagliati e rimontati. È come mi sento adesso. "
Nel 2013, ha avuto modo di mostrare come parte della mostra, Apri Studio V: Through the Looking Glass presso la Galleria Amin Gulgee, Karachi.
Pur impressionando le comunità artistiche locali, ha catturato gli occhi di un critico d'arte, Marjorie Husain. Lodando la mostra e Gulgee, ha detto a The Express Tribune:
"È una mostra così forte e mostra davvero che Gulgee sta raggiungendo la maturità."
Le sue altre sculture e installazioni sono state esposte in tutto il mondo in molte città. Questi includono Venezia, Lisbona, Dresda, Londra, New York, Karachi, Nuova Delhi, Singapore e Pechino.
Un'altra interessante scultura in mostra all'Open Studio V: Through the Looking Glass, è stata la Chapati cosmica (2011).
Adela Suleman
Nata il 9 dicembre 1970 a Karachi, in Pakistan, Adeela Suleman è un'affascinante scultrice e artista pakistana.
È la direttrice del Vasl Artists 'Collective a Karachi, Pakistan (2001).
Inoltre, è stata a capo del Dipartimento di Belle Arti dal 2008 al 2019 presso la Scuola di Arte e Architettura della Valle dell'Indo. È professore associato nel dipartimento.
La sua abilità artistica sperimenta con una serie di elementi che ruotano attorno alla natura fragile e momentanea della vita.
Inoltre, immergendo la sua arte in una tradizione dell'India settentrionale, è consapevole delle realtà politiche che circondano la sua città natale di Karachi.
Si chiama una delle sue sculture più iconiche Il guerriero (2014). Si ritiene che mostri l'uso di piume di pavone e un "guerriero" con un rivestimento di armatura e uno scudo.
Usa motivi zoologici per rappresentare l'iconografia, relativa agli eventi della sua giovinezza e alle mitologie locali.
Le piume del pavone si collegano alle lance, mirando verso la testa del guerriero simboleggia un senso di brutalità.
Discute con Art Gallery NSW di come sia un doloroso promemoria della morte:
“La morte è ovunque intorno a noi. La cosa più certa nella vita è diventata incerta ".
"La vita e la morte corrono parallele l'una all'altra."
Evidentemente, i temi della natura sono motivi ricorrenti nel suo lavoro. Si cimenta con schemi ripetitivi, dettagli precisi e significati simbolici.
Il suo lavoro è stato esposto al PICA (Perth), al 4A Centre for Contemporary Art (Sydney) e alla Gallery NSW (Sydney).
La sua scultura, Il frutto non cade mai I (2012) è anche un'elegante opera d'arte.
Huma Mulji
Nato a Karachi il 1 gennaio 1970, Huma Mulji è uno scultore pakistano che lavora nella pittura e nell'imaging digitale.
Dal 2002 è Assistant Professor presso la School of Visual Arts presso la Beaconhouse National University, Lahore.
Esplorando i temi del lavoro di Huma, le sue sculture discutono dell'identità attraverso metafore del viaggio e della libertà che offre per l'esplorazione di sé.
Inoltre, le sue opere contengono sfumature politiche e culturali che risuonano sia ironiche che umoristiche.
Secondo Plymouth Art, Huma Mulji analizza l'approccio che gli artisti dovrebbero avere per lavorare sulle loro sculture:
"Gli artisti devono inventare e reinventare se stessi e i loro metodi di lavoro tutto il tempo, per auto-motivarsi per andare avanti."
Come artista, è famosa per l'utilizzo del metodo della tassidermia. Questo processo include l'arte di imbottire e montare le pelli di animali con effetti realistici.
Anche se questo rimane controverso, non esita a portare l'elemento degli animali nelle sue sculture.
Uno dei suoi lavori più significativi include Delizia araba (2008), un cammello tassidermizzato costretto in una valigia malconcia, affronta le idee del trasferimento delle culture.
Inoltre, gioca con il tema del viaggio e del movimento mentale e fisico. Inoltre, contiene la tassidermia del cammello, costretto in una valigia, dall'aspetto scomodo, ma comunque felice.
In un'intervista con Asia Art, Huma Mulji, affronta la confusione sulla controversia intorno alla sua scultura:
“La controversia è stata piuttosto inaspettata. Ha rivelato le lacune nello sfarzo di Art Dubai, della sua autocensura nonostante la spavalderia esteriore. "
Questa scultura è stata esposta al Alla disperata ricerca del paradiso, per Art Dubai 2008 e Saatchi Gallery nel 2009, Londra, Regno Unito.
Inoltre, la scultura Il suo sogno suburbano (2009) è un altro pezzo d'arte controversa. Mostra una mucca in una posizione controversa.
Jamil Baloch
Nato il 12 giugno 1972, Jamil Baloch è un talento unico di Nushki, Balochistan, Pakistan.
Proviene da un background artistico, essendosi laureato al National College of Arts Lahore nel 1997.
Il lavoro di Jamil Baloch ruota attorno a diversi comportamenti di una particolare società. Inoltre, incorpora un approccio tradizionale con la modernità alla sua arte.
È interessante notare che le sue prime opere esemplificano la violenza e la corruzione del potere e gli elementi di sopravvivenza dell'umanità.
Durante la sua carriera, nel 2003 è stato insignito del Rangoonwala Award alla National Exhibition of Visual Arts.
Nel 2008 il suo lavoro è stato anche riconosciuto, vincendo un Premio d'Onore alla Biennale Internazionale d'Arte in Bangladesh.
Si intitola una popolare scultura di Jami Auto (2009). Sebbene questo pezzo possa sollevare domande, spiega i disegni, i colori e le fantasie. Parlando con White Turban, afferma:
"Sono interessato al Balochistan, una regione del Pakistan a cui appartengo e un luogo in costante fermento politico".
"In Auto, Sto continuando a esplorare le questioni che riguardano l'umanità in relazione all'estetica che si trova nel mondo che ci circonda. "
"Il lavoro ritrae i miei simboli di stagnazione e sterilità come sentimenti interiori ed esteriori di una persona, società o ambiente naturale."
Sulla base delle sue opinioni e degli aspetti visivi, Baloch adotta modelli e colori da vecchi tappeti. Inoltre, il ricamo nella sua arte indica una sorta di ricordo della sua città d'infanzia.
Jamil Baloch ha esposto questa particolare scultura alla Khaas Gallery di Islamabad, in Pakistan, nel 2010.
Guarda Amin Gulgee discutere le sue sculture qui:
Con la popolarità degli scultori pakistani, possiamo aspettarci che questa particolare arte cresca ulteriormente in Pakistan. Inoltre, con il lavoro che stanno producendo gli scultori pakistani, può ispirare le giovani generazioni.
Ad esempio, gli studenti del college o dell'università possono considerare di diventare un artista della scultura.
Forse possiamo anche vedere l'ascesa di questa forma d'arte, che simboleggia le questioni sociali del Pakistan
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