Aditya Prakash parla di musica, identità e suono dell'appartenenza

Aditya Prakash non si limita a fare musica, la incarna.

Cantante formatosi nella rigorosa tradizione della musica carnatica e plasmato da una vita trascorsa tra Los Angeles e Chennai, Prakash intreccia antichi raga con il ritmo del jazz, l'urgenza dell'hip hop e la spiritualità delle sonorità sufi.

La sua arte non riguarda la fusione fine a se stessa, ma il confronto con l'identità, il confronto con la dissonanza diasporica e il porre domande audaci e scomode.

Sia nel suo album acclamato dalla critica ISOLASHUN o nella performance dal vivo, Aditya Prakash trasforma il personale in universale, creando un paesaggio sonoro che racchiude sia rabbia che riverenza.

In un'intervista esclusiva con DESIblitz, racconta del suo rapporto in evoluzione con la tradizione, della politica dell'estetica e di cosa significhi creare musica che si rifiuta di essere categorizzata.

Come descriveresti la tua musica e le tue performance?

Ho sempre trovato difficile descrivere la mia musica perché sento che la musica è me, è la mia identità.

E come mi descrivo? Credo che la mia musica sia cambiata con me, così come sono cambiato io nel corso degli anni.

E oggi sento che l'espressione della mia musica ha una sua intensità, sia a livello emotivo che uditivo. È più sul versante dell'intensità.

ISOLASHUN e ROOM-i-Nation esplorano l'identità e l'appartenenza. Cosa vi ha ispirato a concentrarvi su questi temi?

Penso che questo tema dell'identità e dell'appartenenza abbia sempre fatto parte della mia musica, fin da quando ne ho memoria.

Essere cresciuto come un bambino della diaspora e sentirmi senza appartenere né a questo né a quel posto ha creato una sorta di tensione che è diventata anche una fonte di ispirazione.

“Cercando di gestire la tensione tra questi poli identitari, l’arte è diventata una forma di espressione.”

E la soluzione consiste davvero nell'accettare che questi poli esistono e che io non sono né i poli, ma ciò che sta nel mezzo.

Con il mio lavoro più attuale – ROOM-i-Nation e ISOLASHUN, questo è il tema centrale.

Definisci un raga un "essere vivente". Qual è il tuo raga preferito e perché?

A un certo punto avevo tantissimi raga preferiti e continuo ad avere una certa inclinazione per alcuni raga come Todi, Shankarabharanam, Begada, Kirvani, solo per citarne alcuni.

Ma oggi non credo di avere un raga preferito. Dipende molto da come viene espresso.

Penso che tutti i raga abbiano qualcosa di bello, qualcosa di profondo, se il mezzo attraverso cui vengono espressi proviene da una fonte profonda.

Quindi è importante il modo in cui viene espresso.

Come è cambiato il tuo rapporto con i raga da quando hai iniziato a mescolare la musica carnatica con il jazz, il sufi e l'hip-hop?

Penso che il raga dipenda dal contesto.

Anche se si guarda all'interno di un contesto "classico", se si prendono due raga e si isola solo una frase di entrambi, potrebbero avere lo stesso suono, le stesse note, lo stesso suono; ma bisogna guardare il contesto in cui è inserita, la frase prima e quella dopo.

Ed è questo che realmente determina un raga.

Allo stesso modo, quando si usa il raga nel jazz, è tutta una questione di contesto. Perché nel jazz, come in qualsiasi altro tipo di musica occidentale, l'armonia gioca un ruolo importante.

Ciò significa che la nota tonica sta cambiando. E il raga è davvero definito dalla sua relazione con la nota tonica. La sua identità risiede in questo Sa, ciò che chiamiamo Sa o Shadja.

Questa è la tonica e un indicatore fondamentale per il raga. Quindi, quando cambia, cambia innanzitutto il suono del raga.

E in secondo luogo, l'approccio deve cambiare. È tutta una questione di dettagli.

Non è che debba cambiare radicalmente, ma è molto importante il modo in cui si reagisce al cambiamento di Sa.

"E quindi penso che richieda sperimentazione, tempo e attenzione ai dettagli."

E sì, come è cambiato il mio rapporto con i raga?

Sono diventato più consapevole del fatto che è necessario dedicare più impegno all'esplorazione del raga quando questo viene utilizzato in un contesto diverso.

Ho imparato che non posso semplicemente copiare e incollare un raga sugli accordi o su determinati strumenti. Il raga deve adattarsi al contesto, e questo è qualcosa che è cambiato dai miei esordi nella sperimentazione con il raga e altri stili fino ad oggi.

Essendo cresciuto a Los Angeles e avendo studiato in India, in che modo questi mondi diversi hanno plasmato il tuo equilibrio tra tradizione e innovazione?

Per me tradizione e innovazione non possono essere separate.

La tradizione è innovazione. Sta accadendo ora.

Troppo spesso associamo la tradizione a qualcosa del passato che stiamo ricreando ora.

È quasi relegato a un pezzo da museo, a un'antica reliquia.

Ma se prendiamo in considerazione gli artisti "tradizionali", persone che oggi consideriamo artisti tradizionali ma che vissero a quel tempo, loro innovavano NEL PRESENTE.

Non stavano ricreando qualcosa del passato. Erano, ovviamente, influenzati dal passato, perché il passato è il fondamento del presente. Stavano rispondendo al presente, qualunque fosse il contesto socioeconomico in cui vivevano, stavano rispondendo a quello.

E oggi nulla dovrebbe cambiare se pensiamo alla tradizione.

Naturalmente siamo influenzati dal passato perché è ciò che ci ha portato a creare la musica che siamo oggi.

Ma la tradizione è realtà e si sta rinnovando.

E sì, essendo cresciuto a Los Angeles e formatomi in India, queste due diverse identità diasporiche rappresentano una parte importante della mia esperienza di vita.

Per me, uno degli aspetti importanti dell'arte è che si tratta di esprimere l'esperienza vissuta.

E per me, essendo allo stesso tempo americano e indiano, da un lato un professionista che proviene da una famiglia privilegiata in una tradizione che ha una storia complicata di cancellazione ed emarginazione e dall'altro un artista di colore in un'industria musicale dominata dai bianchi, come posso orientarmi tra questi poli?

In un'epoca in cui le notizie parlano costantemente di guerra, retorica violenta, mascolinità tossica, tutto questo filtra in qualche modo attraverso la musica; influenza non solo il contenuto della mia musica, ma anche il suono della mia musica.

"Non distinguo la mia musica tra tradizionale e innovativa. È semplicemente musica che esprime me e la mia esperienza."

Credo che questa tendenza a distinguere la musica tradizionale da quella contemporanea sia qualcosa che ho imparato ad abbandonare.

Oggi è tutto solo musica, e la musica è una forma di espressione. E l'espressione è una forma della tua realtà vissuta.

E Thyagaraja, uno dei grandi Carnatic compositori, che consideriamo l'epitome del "tradizionale", creavano musica che era molto contemporanea e innovativa allora e lo è ancora oggi.

E si dà il caso che sia successo tanto tempo fa, quindi la chiamiamo musica tradizionale. Ma era musica contemporanea. È musica contemporanea.

Chi o cosa influenza la tua musica?

A questo punto della mia carriera, le mie due maggiori influenze sono i miei mentori. Uno è TM Krishna e l'altro è Akram Khan.

Ciò che mi influenza è ciò che vedo, ciò che sento, ciò che ascolto.

Come artisti, credo che dobbiamo essere ricettivi agli stimoli esterni e a quelli interni sotto forma di emozioni.

Ci sono momenti della mia vita in cui mi sento un po' chiuso e poco ricettivo, ed è anche perché in quei periodi non sono molto creativo.

Ciò che conta è la tua intenzione.

Penso che spesso confondiamo la tradizione con la convenzione. Se è una pratica o una convenzione in una forma d'arte che ti fa sentire limitato, perché ti senti limitato e perché vuoi staccartene?

E quando sorgono queste domande e c'è un profondo bisogno di trovare delle risposte, penso che sia allora che si decide se attenersi alle convenzioni o meno.

Hai parlato di "decolonizzare" la tua musica. Come la metti in pratica e come metti in discussione le abitudini musicali ereditate?

Bene, credo di essermi posto delle domande sulle mie scelte in merito all'estetica di un suono.

Le mie scelte estetiche, le mie scelte estetiche del suono erano un prodotto della mia identità?

Sentivo il bisogno di fondere la musica carnatica con gli stili musicali occidentali, con il jazz, per renderla attraente, accessibile e degna di essere accettata?

Quindi quando ho iniziato a chiedermi se avessi bisogno di fondere la musica carnatica con gli stili musicali occidentali per renderla più accattivante e accessibile, ho iniziato a pormi la contro-domanda.

Potrei fidarmi della potenza, della profondità e delle sfumature di questa formazione musicale indiana con cui sono cresciuto senza presentarla attraverso la lente occidentale?

E questo mi ha spinto ad approfondire la mia musica indiana, la musica carnatica.

Questa musica aveva solo un significato edificante?

I costrutti estetici sonori di bellezza e raffinatezza erano in grado di riflettere anche la tensione, la violenza e il disordine di ciò che accadeva intorno a me, nel mondo in cui vivo?

Era forse contrario alla forma dare spazio a suoni abrasivi e stridenti, che coesistevano con quelli melodiosi e belli?

Penso quindi che sia stato esplorando queste questioni che ho iniziato ad analizzare le cose, e la decolonizzazione è una di queste.

Cosa fai per rilassarti e distenderti?

Prima di tutto, mi piace iniziare la giornata rilassandomi e staccando la spina.

Per me questo significa prepararmi il caffè da solo.

Per me è un rituale mattutino e dà davvero il tono alla mia giornata. E se non ci riesco, esco a prendermi un buon caffè!

Altre cose che mi piace fare sono:

• Fate delle passeggiate, se possibile anche da soli.
• Seduti in luoghi tranquilli immersi nella natura.
• Giocare e guardare partite di basket.
• Stare con i cani!

Ci sono collaborazioni non convenzionali o nuovi media, come film, realtà virtuale o intelligenza artificiale, che vorresti esplorare nei tuoi progetti futuri?

Non so bene cosa pensare della crescente diffusione dell'intelligenza artificiale e della realtà virtuale negli spazi artistici, ma ritengo che stia diventando inevitabile.

E so che non posso continuare a evitarlo o a scappare da esso e che devo adattare i miei metodi per integrare la realtà virtuale e l'intelligenza artificiale nel mio processo artistico, ma ciò non è ancora accaduto.

"E per quanto riguarda il cinema, sì, ci sono due progetti cinematografici entusiasmanti che ho terminato e che sono inediti."

E uno di questi, non posso dire molto, ma è un cortometraggio diretto da Akram Khan e Maxime Dos. È un cortometraggio incentrato sulle canzoni del mio album, ISOLASHUN.

Un'altra cosa emozionante è che ho composto una piccola parte di musica per un nuovo lungometraggio del duo premio Oscar Aneil Karia e Riz Ahmed.

Aditya Prakash non insegue le tendenze. Le mette in discussione.

La sua musica trae spunto da una formazione profonda e da esperienze vissute, che le conferiscono peso.

Sfida ciò che chiamiamo tradizione. Porta la musica classica indiana nel dibattito globale.

Prakash non separa il personale dal politico. Lascia che sia il suono a trasportare entrambi.

In ogni nota, si chiede: cosa significa appartenere? E chi decide quale musica vale la pena ascoltare?

In un mondo frammentato, la sua risposta è semplice. L'espressione è resistenza. E la musica è il ponte.